L-VIS 1990 spricht über die Zukunft des Clublebens, Equipment und Mixing.

Von Brighton über Tokio bis Philadelphia – James Connolly alias L-VIS 1990 ist seit über zwanzig Jahren auf den Tanzflächen unterwegs und sorgt für beste Stimmung. Bekannt wurde er vor allem als Mitbegründer von Night Slugs – einem der prägendsten britischen Dance-Labels der letzten 15 Jahre – zusammen mit Bok Bok. L-VIS 1990 spielte eine entscheidende Rolle dabei, dem Publikum einen Schmelztiegel hochspezifischer globaler Clubsounds näherzubringen, der die Clubkultur der 2010er-Jahre maßgeblich prägte und bis heute anhält.

Nach einer Pause, in der er sich auf sein anderes Alias ​​Dance System konzentrierte, ist Connolly als L-VIS 1990 mit einer neuen EP für den Bristol Club Djembe und einem erneuten Fokus auf die Förderung von Künstlern, für die er sich begeistert, zurück.

Als stolzer Besitzer eines Paares TYPE 20 MK2 Monitore sprachen wir kürzlich mit ihm über die sich wandelnde Clubkultur und die Herausforderungen, die Energie vergangener Generationen wiederzuerlangen, sowie über seine Studioausrüstung, die Suche nach dem richtigen Raum, das Erlernen des Mixens und die Wichtigkeit, gegen den Strom zu schwimmen.

HEDD: Du hast kürzlich gesagt, dass kleine Veranstaltungsorte und Clubs von Festivals und Mega-Lineup-Partys verdrängt wurden. Wie wichtig waren kleinere, selbstorganisierte Konzerte für deine musikalische Entwicklung? Und was denkst du, ist nötig, um sie im Jahr 2025 und darüber hinaus zu erhalten?

L-VIS: Ich glaube, dass DIY-Veranstaltungsorte und -Räume für mich als aufstrebender DJ und Produzent das Wichtigste waren. Ich habe zuerst in Pubs aufgelegt und für 50 Pfund eine ganze Nacht gespielt. Mit 17 habe ich dann angefangen, meine eigenen Events zu veranstalten – ich durfte damals noch nicht mal in Lokalen Alkohol trinken und habe trotzdem schon Partys geschmissen!

Ohne diese Abende, an denen wir einfach wir selbst sein und unsere musikalischen Ideen umsetzen konnten, hätte ich nichts erreicht. Dort habe ich Bok Bok für einen Auftritt gebucht. Hätte ich diesen kleinen DIY-Raum nicht gehabt, wo ich Gleichgesinnte zum Spielen eingeladen habe, hätte ich Bok Bok nie kennengelernt und daraus wäre nicht Night Slugs entstanden – ein Projekt, das die weltweite Underground-Dance-Szene so stark geprägt hat. Hätte es damals in Brighton schon einen großen Club mit 5.000 oder 10.000 Plätzen gegeben, hätte ich diese Party veranstaltet? Hätte ich Bok Bok kennengelernt? Gäbe es Night Slugs überhaupt?

Ich glaube, das größte Problem in Großbritannien ist momentan die Vielzahl an Festivals, die zudem teuer sind. Jüngere Clubgänger haben nicht mehr das Geld, um wie früher jede Woche auszugehen – ich war drei oder vier Nächte die Woche unterwegs! (lacht). Damals waren die Getränke und Drogen nicht so teuer, und man musste keine 80 Pfund ausgeben, um in Clubs wie die Drumsheds (eine große Location in London) oder auf Festivals zu kommen. Das Ganze saugt der Clubszene einfach die Seele aus, weil die jüngere Generation nicht mehr in kleinere Clubs geht.

Ich glaube, wir haben diese Phase des Spätkapitalismus, der DJ-Festivals und des Maximalismus hinter uns gelassen, und es fühlt sich an, als ob sich die Zeiten dadurch etwas ändern werden. Ich denke, viele haben genug davon, und wir sollten uns wieder mehr auf unsere Wurzeln besinnen, mit DJing in kleineren Clubs und DIY-Projekten. Ein echtes Erlebnis, ein Erlebnis, das nicht … Man erlebt es übers Handy oder über den Laptop, indem man sich zum Beispiel einen Boiler Room ansieht. Es wird darum gehen, mit anderen Menschen in Kontakt zu treten, worum es beim Clubbing ja schon immer ging. Einige meiner besten Freunde habe ich durch die Begegnungen mit Leuten in Clubs kennengelernt.

HEDD: Welche Unterschiede sehen Sie heute auf den Tanzflächen?

L-VIS: Die größte Veränderung in der Clubszene ist, dass die Leute Angst haben, sich dort fallen zu lassen und authentisch zu sein. Man ist sich viel bewusster, beobachtet zu werden. Unser ganzes Leben findet online statt und ist für die ganze Welt sichtbar. Ich finde, Clubs sind zu Orten geworden, an denen man sich immer noch beobachtet fühlt oder Angst hat, sich daneben zu benehmen, weil man gefilmt und das Video auf TikTok hochgeladen bekommen könnte! Früher waren Clubs ein Ort der Freiheit, wo man man selbst sein, sich öffnen und einfach mal die Sau rauslassen konnte. Für mich als jungen Clubgänger Anfang der 2000er war es überlebenswichtig, diesen Raum zu haben, in dem ich ganz ich selbst sein konnte. Immer mehr Clubs arbeiten daran und verbieten Handys – und ich denke, das ist der richtige Weg.

Aber gleichzeitig tanzen die Leute in Clubs nicht miteinander, sondern starren nur auf den DJ. So entstehen keine neuen Kontakte. Diese DIY-Clubs sind deshalb so wichtig, weil man den DJ dort verstecken kann, er kann weiter hinten, auf einer anderen Ebene, stehen. Bühnen sind das Schlimmste für die DJ-Kultur (lacht). Stellt euch vor, Larry Levan würde sich selbst auf die Bühne stellen – dann würden alle nur noch nach vorne starren, anstatt miteinander zu tanzen. Ich denke, die Rückkehr zu kleineren Clubräumen wird der Clubkultur definitiv guttun.

HEDD: In einigen deiner letzten Instagram- Posts waren deine alten MySpace-Freunde zu sehen, darunter Mumdance, Tomb Crew, Diplo, Duke Dumont und andere. Du hast erzählt, wie ihr früher oft bei euren Shows und Partys dabei wart und wie sehr ihr damals zusammengearbeitet habt. Glaubst du, dass DJs und Produzenten heute besser oder schlechter vernetzt sind als 2015 oder 2005?

L-VIS: Ich glaube, wir sind durch all diese großen Festivals und Partys, die Künstler für viel Geld buchen und Exklusivitätsklauseln haben, viel weniger vernetzt. Dadurch gibt es viel weniger Möglichkeiten für Künstler, spontan bei anderen aufzutreten. Viele Festivals setzen seit fast zehn Jahren auf dieselben Headliner. Man sieht auf jedem Festival dieselben Leute, und die großen Festivals scheuen sich, bei der Künstlerauswahl Risiken einzugehen.

Früher haben wir alle Partys geschmissen. Ich bin mit Bok Bok, Kingdom und Joker ins Mausoleum nach Philly gefahren, und Diplo hat uns gebucht. Wir haben kleine Partys in der Lock Tavern mit Duke Dumont veranstaltet, und alle waren da. Es war viel mehr eine DIY-Szene, es fühlte sich an, als wären wir Teil einer Gemeinschaft, wir alle zusammen und hätten die Kontrolle. Es gab zwar ein paar Festivals, aber die waren nicht das Wichtigste. Es ging vor allem ums Selbermachen, und es fühlte sich freier an: „Ich spiele bei dir, du bei mir“, lasst uns das als Community auf die Beine stellen. Allein die Vernetzung ist das Positivste daran. Ich glaube, MySpace war die Plattform, auf der ich am besten vernetzt war, und die Beziehungen, die ich dort aufgebaut habe, fühlten sich wie richtige Gemeinschaften an. Aber diese Gemeinschaft ist durch Social Media und den Individualismus, den uns die Konzerne aufzwingen, irgendwie verloren gegangen.

Auf Instagram kann man keine Kollektive gründen, auf Spotify gibt es keine Labelseite. Ich möchte den Katalog von Underground Resistance durchstöbern, aber das geht nur, wenn jemand eine Playlist oder Ähnliches erstellt hat. Sie versuchen, uns so individuell wie möglich zu machen, damit wir Geld ausgeben. Sie wollen nicht, dass wir uns kollektiv zusammenschließen, dass wir uns zusammentun und Ideen entwickeln, die uns von diesem individuellen Leben wegführen. Angesichts all dessen, was gerade in der Welt passiert – Donald Trump und Elon Musk, OpenAI und Mark Zuckerberg –, die diese Unternehmen besitzen, wollen wir als Kreative, Künstler und Denker uns nicht von ihnen beherrschen lassen. Letztendlich wollen wir uns als Künstler und Kreative von diesen Dingen lösen und müssen uns wieder auf das Kleine besinnen, unsere eigenen Systeme, unsere eigene Kultur und kleinere Gemeinschaften schaffen und anders mit anderen kommunizieren. Ich habe heute Morgen mit der Heiligen Madonna darüber gesprochen, und sie sagte zu mir: „Wir müssen alle zusammenhalten, wir müssen diese Do-it-yourself-Energie wiederbeleben.“ Früher mussten wir das tun, weil es der einzige Weg war, aber jetzt müssen wir es aus freiem Willen tun, um der kapitalistischen Infrastruktur zu entkommen.

HEDD: Dein Studio ist eine bunte Mischung aus klassischen Drumcomputern, kernigen Old-School-Mischpulten und einigen modernen Synthesizern. Worauf achtest du beim Kauf von Equipment?

L-VIS: Ich suche eigentlich nach einzelnen Synthesizern oder Drumcomputern mit einem bestimmten Charakter, die etwas anderes können als meine anderen Geräte. So fühlt es sich an, als hätte ich eine ganze Band im Studio. Ich kann zum Beispiel eine Roland TR-727 für Congas oder eine Roland TR-909 für druckvolle Techno-Drums verwenden. Mein Access Virus Synthesizer ist mein „UK“-Sound; den benutze ich einfach für alles, wenn ich abgefahrene Wobbles und Pads machen will.

Ich suche einfach nach einzigartigen Stücken, nicht unbedingt nach teuren. Ich habe noch nie 5.000 Euro für einen Synthesizer ausgegeben. Mein erster Synthesizer war ein Korg Poly800, ein billiges Teil mit funkigen Bassline-Sounds, mit denen man so Prince-mäßige Sachen machen konnte. Selbst der Yamaha Portasound PSS-480, ein Kinderkeyboard, den ich für 70 Pfund ergattert habe, hat mich total begeistert. Er ist quasi der Sound des frühen Ghetto House. DJ Deeon und die Jungs aus Detroit haben den Synthesizer benutzt. Damals haben sie sich billiges Equipment im Musikladen besorgt, die Roland TB-303, den PSS-480, Mackie-Mischpulte, was sie eben so finden konnten, und das war dann ihr Sound. Ich habe mich immer schon mit diesem frühen Chicago- und Detroit-Sound verbunden gefühlt, mit diesen seltsamen Geräten, die einfach diesen ganz eigenen Charakter haben. Die Roland TR-707 Drum Machine hat zum Beispiel den schwächsten und seltsamsten Kick, aber sie hat einen eigenen Sound und ein eigenes Feeling, und man spürt, dass die Maschine eine Persönlichkeit hat, und das gefällt mir.

Ich kaufe meistens älteres Equipment, weil es so ist, als ob Prince die Drum Machine verwendet hätte, die auf der Platte zum Einsatz kam. Oder zum Beispiel die Sequential Circuits DrumTraks – die hat Prince auf einer Platte benutzt, und ich will sie dann anders einsetzen. Ich habe mir nur wenige neue Geräte gekauft, und es ist einfach praktisch, die alten im Studio zu haben.

Bei Lautsprechern kaufe ich immer neu, und die HEDD TYPE 20 MK2 sind seit anderthalb bis zwei Jahren meine Standardausrüstung im Studio .

HEDD: Wie würden Sie Ihre Herangehensweise an das Abmischen Ihrer Musik beschreiben?

L-VIS: Ich finde, als Produzent von elektronischer Tanzmusik gehört der Mix zum Arbeitsprozess und prägt den eigenen Sound. Ich habe meine Sachen immer selbst gemischt, aber ein paar Mal habe ich es auch schon mit anderen versucht, und das hat für mich einfach nicht funktioniert.

Bei meiner Musikproduktion versuche ich generell, den ganzen Song in einer Session fertigzustellen, also direkt im Mix. Alles passiert gleichzeitig, weil ich in dieser Session fertig sein muss. Ich finde es schwierig, später noch einmal Demos anzuhören. Klar, ich feile später noch daran, aber die gesamte Struktur muss stimmen. Ich mache das Ganze dann sehr schnell, auch den Mix, und meine bevorzugten Plugins und Techniken habe ich fest im Griff. Ich möchte, dass der Song sofort live spielbereit ist.

Dann geht es nur noch darum, alles durchzugehen und zu verfeinern, Dinge leiser zu stellen oder einfach sicherzustellen, dass Bass und Kick nicht kollidieren. Aber je mehr ich mich mit Bass, Garage und Dubstep beschäftige, desto mehr lerne ich über Raumwirkung. Weniger Kicks sind besser. Ich arbeite erst seit Kurzem mit kleineren Kicks, die mehr Platz für den Bass lassen. Zu Night-Slugs-Zeiten waren es alles wuchtige Jersey-Kicks und mein Bass-Sound war eher präsent, funky, so im Prince-Stil. Aber jetzt experimentiere ich mit Bass und Subbass und finde heraus, wie man Tracks produziert, bei denen man gar nicht so viel mischen muss.

Meine erste EP 2008 habe ich selbst gemischt, damals noch in der DIY-Zeit, als wir kaum Geld hatten. Als ich sie mastern lassen wollte, fragte ich den Toningenieur: „Können wir da noch etwas Bass reinbringen?“ Und er meinte: „Auf dieser Platte ist kein Bass!“ (lacht) Mit der Zeit dachte ich: „Oh ja, ich werde immer besser im Mischen.“ Ich werde ständig besser und es gibt immer etwas Neues zu lernen. Ich fühle mich jetzt richtig sicher, und mein Monitoring-Setup hilft dabei, aber der Raumklang ist meiner Meinung nach das Wichtigste.

HEDD: Wie stark veränderst du den Monitoring-Pegel, während du an einem Track arbeitest?

L-VIS: Wenn ich an einem Track arbeite, ist es nicht extrem laut, sondern eher mittellaut, aber nicht ohrenbetäubend. Mit einem guten Raum und guten Monitoren muss man die Lautstärke nicht zu hoch drehen. Es geht vor allem um den Bass; man will ihn im Studio spüren können, und dafür eignen sich die HEDD TYPE 20 meiner Meinung nach hervorragend. Normalerweise beginne ich meine Sessions mit den TYPE 20 und nutze zusätzlich die Yamaha NS10 mit Subwoofer. Sobald ich in die Mitten gehe, wechsle ich zu den NS10, gehe dann aber wieder zurück zu den TYPE 20, um zu überprüfen, ob alles passt. Wenn der Bass bei den TYPE 20 zu dominant ist, hört man das sofort. Dann reduziere ich ihn einfach und passe ihn etwas an.

HEDD: Sie sprachen über die Bedeutung der Lautsprecher, des Raumes und Ihrer gesamten Hörumgebung. Wie sieht Ihre Monitoring-Kette aus und wie sind Sie vorgegangen, um sich in Ihrem Raum und mit den Lautsprechern einzuleben?

L-VIS: Ich bin im August 2024 in meinen jetzigen Raum in den Ten87 Studios in London umgezogen. Die TYPE 20 waren gerade erst angekommen, die NS10 waren schon da. Danny (Trachtenberg, der sich das Studio mit L-VIS teilt) hat mir beim Einrichten geholfen und er hatte einen Audient Nero Monitor-Controller.

Das ist der erste Raum, in dem es so klingt, wie es klingen soll. Ich bin total happy! Ich kann hier einen Mix erstellen und ihn dann in jedem anderen Raum abspielen, und er klingt genau so, wie ich es erwarte. Mein letzter Raum war ein winziger Kasten mit den TYPE 20, aber die waren so nah an meinem Gesicht, dass der Bass einfach nur (macht ein dröhnendes Bassgeräusch) war. Deshalb hatten alle meine Mixe zu wenig Bass. Mein alter Raum war im Keller unter einem Friseursalon in Dalston, und als ich mir die TYPE 20 gekauft habe, dachte ich: „Klar, die Lautsprecher kaufe ich mir und mische meine neue EP damit!“, und ich hätte mich fast umgebracht. Der Raum war einfach nicht dafür geeignet! Ich hatte mir eine SSL Big SiX für meine Summen und die HEDD TYPE 20 gekauft und dachte, es wäre der größte Fehler meines Lebens, weil nichts richtig klang. Aber nein, es lag einfach am Raum. Der Raum ist das Wichtigste.

HEDD: Wenn du deinen Track fertiggestellt und abgemischt hast, alles an einem Tag – masterst du ihn dann auch selbst oder schickst du ihn an einen Mastering-Ingenieur?

L-VIS: Ich habe meine eigene Masterkette. Ein paar Plugins haben mir in letzter Zeit dabei sehr geholfen. Ich habe mir das SSL Fusion Pack mit dem Violet EQ und Transformer geholt, das hebt den Sound auf ein ganz neues Level. Das Cradle God Particle Plugin ist auch super, um dem Ganzen das gewisse Etwas zu verleihen. Ich weiß nicht genau, was es macht, aber es verleiht dem Track etwas Magisches. Meine Masterkette ist jetzt fester Bestandteil meines Mixprozesses. Ich lasse das Limiting meistens deaktiviert und schicke die Version ohne Limiting an den Mastering-Engineer. Ich sorge dafür, dass der Sound so gut wie möglich und clubtauglich klingt, eben ohne Limiting. Seit Kurzem arbeite ich mit DJ Tubby von den Newham Generals zusammen, und der versteht es einfach, Underground-Club-Sounds zu produzieren.

HEDD: Wenn Sie die Masterbänder zurückbekommen, worauf achten Sie dann besonders? Auf den Klang? Oder auf das Gefühl, das sie in Ihnen auslösen? Hören Sie sich die Aufnahmen auf vielen verschiedenen Lautsprechern an oder verwenden Sie einfach ein bewährtes Paar?

L-VIS: Ich höre Musik über die TYPE 20 und die NS10, manchmal auch über meine Sony-Ohrhörer. Wenn ich als DJ unterwegs bin, teste ich die Musik im Club, aber meistens merke ich den Unterschied einfach am Klang. Ich gehöre nicht zu denen, die Sachen hundertmal zurückschicken. Hauptsache, ich fühle mich wohl und bin glücklich. Ich glaube, meine Mixe sind schon so weit, dass der Mastering-Ingenieur nicht mehr so ​​viel machen muss. Zum Glück ist der Lautheitswettbewerb vorbei, jetzt geht es wieder um Dynamik. Ich will einfach nur einen schönen, runden Bass und etwas knackige Höhen – mehr nicht.